Per una musica “resistente”, anche quando discriminata

(Intervista a cura di Michele Lipori)

Nell’ultimo report della SIAE viene evidenziata in maniera evidente la crisi in cui versa il mondo dello spettacolo a causa del Coronavirus. In pandemia, gli eventi sono diminuiti del 69%, gli ingressi hanno segnato un calo del 79%, le spese dei botteghini sono scese del 77% e la spesa del pubblico ha avuto una riduzione dell’82%.

A questa fotografia bisogna aggiungere anche altre forme di guadagno, più informali ma molto diffuse, che sono difficilmente quantificabili. È il caso dei cosiddetti home concert, ovvero concerti organizzati dai musicisti stessi in abitazioni private. I e le partecipanti si auto-tassano dando un contributo direttamente al musicista, senza che ci sia bisogno di intermediari. Questo tipo di eventi sono sempre esistiti ma sono tornati in auge anche a causa della crisi che il mondo dello spettacolo stava vivendo ben prima dell’avvento del Covid. Anche se non quantificabile dalla Siae o dall’Agenzia delle entrate, questa è una forma di guadagno importante per tanti musicisti, soprattutto entry level, ma molto praticata anche da artisti che godono di un seguito anche ampio. Naturalmente, con la pandemia in atto, eventi del genere sono praticamente impossibili da realizzare e rappresentano un’ulteriore perdita di opportunità di guadagno per tanti musicisti.

Se le cose fossero più semplici e meno onerose sia per gestori di locali che per musicisti, il tutto sarebbe più gestibile e controllabile? 

Personalmente sono rimasto piacevolmente sorpreso dal mondo in cui la Siae è riuscita a sostenere i propri iscritti attraverso dei contributi più o meno consistenti. Tuttavia, a mio avviso una delle falle più grandi in questo ingranaggio – e che inevitabilmente crea delle disuguaglianze – è rappresentato da un’eccessiva tassazione dell’“anello debole” del sistema, ovvero i piccoli locali o gli eventi di piccola e media entità. Mi spiego meglio. Negli Stati Uniti, ma anche in altri Paesi, i piccoli locali possono pagare una tassa annua grazie alla quale poi sono liberi di organizzare degli eventi musicali. È questa una strategia che ho proposto anche all’Associazione italiana musicisti di jazz (Midj) e che sono sicuro rappresenterebbe un’opportunità di far ripartire ed anche crescere il settore musicale. In Italia, invece, gli organizzatori sono tenuti a sbrigare delle complesse pratiche burocratiche ogni volta che organizzano un concerto. Questa complicazione, insieme all’onerosità della tassazione, rappresenta un grande ostacolo per lo svolgimento regolare delle attività di tante realtà medio-piccole.

La farraginosità della macchina burocratica italiana si riscontra anche nella modalità di tassazione e di pagamento dei contributi dei musicisti. Bisogna pensare, infatti, che le persone che esercitano la professione di musicista e che quindi sono iscritti all’Inps nella gestione previdenziale ex Enpals sono tenuti obbligatoriamente al versamento del 33% del compenso pattuito (di cui circa il 10% è a carico del/della musicista e il resto a carico del committente). Si tratta di una somma molto alta che non sempre avrà un corrispettivo nel percepimento dei contributi. Inoltre, a complicare ulteriormente la situazione c’è il fatto che in Italia molto spesso chi offre una prestazione musicale non è un musicista professionista e in questi casi sono previste delle agevolazioni. Solo che questo genera delle disuguaglianze (oltre che a una “concorrenza sleale”), perché i gestori dei locali inevitabilmente preferiranno ingaggiare dei musicisti non professionisti se sono esentati dal versare loro dei contributi. La Siae e l’ex Enpals dovrebbero essere più attenti a questi aspetti, come anche alla tutela dei propri iscritti meno “influenti”, anche se bisogna ribadire l’importanza di questi organismi senza i quali i musicisti (e soprattutto i compositori) avrebbero molti meno diritti.

La crisi dell’industria culturale, però, esiste da prima del Covid

Assolutamente sì. Uno degli elementi più macroscopici è la crisi totale del mercato discografico, che ha determinato un impoverimento incredibile di tutta l’industria culturale legata alla musica. L’allargamento del fenomeno dello streaming, inoltre, sta creando delle fratture sempre più ampie all’interno degli stessi musicisti. Faccio un esempio. Se in passato un musicista produceva un disco con un’etichetta indipendente sapeva che avrebbe venduto un certo numero di copie di quel disco, in parte attraverso i distributori, in parte in maniera diretta (ad esempio, nei concerti). C’era dunque un ritorno economico che, seppur piccolo, consentiva di sostenere tutto ciò che c’è dietro alla produzione di un disco: lo studio di registrazione, tecnici del suono, grafici, editor… Da quando praticamente tutta la musica è stata disponibile sulle piattaforme online, le persone hanno iniziato a non comprare più dischi, affossando le realtà musicali medio-piccole. Lo streaming, inoltre, non paga. Le cifre che vengono corrisposte ai musicisti in base alle “visualizzazioni” o agli ascolti in streaming sono assolutamente irrisorie e dunque non sostenibili se non si può contare sul bacino di utenza di una superstar. Questo si verifica anche per quelle piattaforme che prevedono un pagamento mensile da parte dei fruitori. La conseguenza è un impoverimento culturale i cui effetti saranno devastanti sulla lunga distanza e che sono facilmente prevedibili: chi mai entrerà più in uno studio di registrazione, se già in partenza si sa che non verrà venduta neanche una copia del disco che si vuole produrre, o se l’ascolto in streaming del prodotto non genererà nessun indotto? Questo significa impoverimento, economico e culturale. La cultura – e quindi la musica – si sono da sempre avvalsi di contributi da parte di mecenati, finanziatori e sponsor di vario tipo. Senza la lungimiranza di questi investitori non avremmo avuto i dischi dei Beatles, un disco come The Dark Side of the Moon dei Pink Floyd non sarebbe mai stato prodotto. Ma non avremmo avuto neanche avuto le opere Bach, Vivaldi e Mozart!